Mi banda sonora

Durante mucho tiempo pensó que aprender significaba estudiar contenidos, memorizar apuntes y aprobar exámenes. Sin embargo, este año, a medida que he ido estudiando y conociendo diferentes teorías, me he dado cuenta de que no es así, y de eso va precisamente lo que os vengo a ofrecer hoy.

El otro día, cuando hablamos sobre el Conectivismo en clase, me di cuenta de que hacer una entrada analizando mi propia experiencia y "mi banda sonora" iba a ser una buena idea y una buena forma de relacionarlo con lo que sé. 

Desarrollando esta entrada he visto que buena parte de lo que soy hoy no lo he aprendido únicamente en la escuela; lo he aprendido conectándome con historias, voces y experiencias de los artistas que escucho. Es decir, hablando en "términos conectivistas", mis artistas favoritos no han sido solo referentes musicales, sino nodos fundamentales en mi red de aprendizaje.

☆ Nota: el Conectivismo plantea que el conocimiento no reside únicamente en el individuo, sino que está distribuido en una red de conexiones, por lo que aprender es establecer relaciones entre nodos significativos. ☆

En mi caso, esos nodos han sido personas que nunca he conocido personalmente, pero que han influido mucho en la construcción de mi identidad. Por eso, en este espacio iré presentando a mis referentes musicales; contando un poco de su historia y cómo la relación con la mía y enseñando un poco de su arte con un pequeño edit. Mi intención con esto es que conectais tanto conmigo como con ellos y que tengáis la oportunidad de, quizás, y si os inspiran mucho, formar parte de esta red.

1. Melanie Martínez

Para mí, ella ha marcado un antes y un después en mi forma de concebir la música, ya fue la primera artista alternativa que escuché en mi vida (empezó a seguirla a los 10-11 años).

A pesar de haber ha sido concursante de " The voice ", contar con tres álbumes de estudio, 32 vídeos musicales, doce sencillos, etc. Siempre ha intentado enseñar su lado más humano hablando de su experiencia como víctima de bullying durante su infancia, de hecho, tiene una canción no oficial titulada " Dear Porcupines " dedicada a sus bullys. 

Esta experiencia marcó su estética y su narrativa, especialmente en su primer álbum Cry Baby,  donde utiliza la simbología infantil para denunciar la crueldad social, la presión y las heridas emocionales que muchas veces se invisibilizan. 

Todo esto se conectó bastante bien conmigo, ya que yo también sufrí bullying durante los últimos años de primaria y ese álbum fue un espacio seguro para mí en aquel momento.

Teaser de " Portales ", 18/02/2023

Escuchar a alguien que había llegado tan lejos después de haber vivido esa situación me

Motivaba a seguir yendo al cole y esa  transformación del dolor en arte me enseñó en su momento que la vulnerabilidad no es algo malo que hubiera que esconder, sino que puede convertirse en algo mejor.

Desde el conectivismo, Melanie se convirtió en un nodo que conectó con mi propia experiencia. A partir de ver entrevistas, analizar sus letras (lo cual también me enseñó inglés) y coincidir con gente de su comunidad de fans, he ido construyendo el significado de su música a la vez que se construyó él solo.

Sin más, os invitamos a echarle un vistazo a sus álbumes: recomiendo especialmente el de Cry Baby por lo que ya he comentado y el de K-12 porque sigue con la misma estética y va acompañado de una película. Los dos (junto al último: "Portals") forman una trilogía que sigue la historia de un personaje, pero el primero hace referencia a la infancia y el segundo en la adolescencia (este pasa en un "instituto").

2. Lana Del Rey

Quizás si nunca habéis escuchado sus canciones la confundáis con Taylor Swift por el fanatismo que hay y os de un poco de pereza, pero os juro que si ponéis atención os va a dejar de parecer así. 

Lana Del Rey, cuyo nombre real es Elizabeth Grant, antes de ser reconocida publicaba música con otros nombres, pasó por problemas con el alcohol en la adolescencia, fue enviada a un internado (gracias al cual estuvo una temporada en Santander), después se reencontró y estudió Filosofía y durante años estuvo intentando encontrar su sitio en la industria, incluso llegó a vivir en una caravana cuando firmó su primer contrato con una discográfica.

Fotograma del videoclip de " Ultraviolence", 05/2014

Cuando empezó a hacerse conocida con Born to Die, recibió críticas durísimas, unas de las peores fueron referidas a su interpretación de Video Games en el programa "Saturday Night Live".  Aunque fue un muy mal momento, siguió construyendo su arte nostálgico, cinematográfico y vulnerable, aunque recibió muchas críticas.

Yo conecté con esa incomprensión cuando tenía 13 años. El año anterior (1° de la ESO) me habían detectado una Leucemia y, después de haber estado ingresada, la vuelta a la “normalidad” fue muy dura, si me preguntan, más que la enfermedad, ya que en la planta de onco todos éramos iguales. En el instituto la gente me miraba con incredulidad o con pena y otros incluso se reían. Yo ya no era solo yo; era “la enferma”, "la que llevaba peluca". 

Me sentí muy raro y escuchar a Lana en esa etapa fue encontrar a una persona con la

que me podía identificar. Su forma de crear y mantener su identidad propia pese a las críticas conectaba directamente con cómo yo me sentía y, aunque no era exactamente la misma situación, la emoción era muy parecida: la sensación de que te miran o te juzgan. De por sí la adolescencia es una etapa donde esa sensación es normal, pero lo mío no era todo cosa mía, estaba ahí.

Siento que también me identifico mucho con ella ahora, ya que estoy en un momento en el que no paro de "florecer", es decir: de reinventarme, de moverme, de luchar por lo que quiero. Ella definitivamente lo hace cada vez que publica un nuevo álbum: incluso, creo que si los miras de cerca, puedes ver las etapas que ha ido pasando o superando.

Dentro de mi red de aprendizaje, Lana ha sido un nodo muy importante por todo lo que fui construyendo alrededor: lo más importante ha sido esa aceptación de la vulnerabilidad y la nostalgia como algo bueno, o como algo de lo que no hay que avergonzarse, como mínimo. 

En esta entrada, además de incluir un clip con una de sus canciones, quiero incluir otro de uno de sus monólogos, ya que creo que tienen mucha fuerza y ​​representan muy bien la esencia de su arte. Concretamente el que él eligió, es un guiño a la historia estadounidense ya que, es la adaptación de una declaración de Jackie Kennedy en referencia a su difunto esposo: el expresidente John F. Kennedy.

3. Musical milagroso

Este no es un grupo cualquiera. De hecho, no es un grupo: es un proyecto paralelo creado por Joe Hawley, integrante de Tally Hall (quizás o suene más), que es mucho más personal y experimental que el arte de su banda principal. Su única obra se llama Hawaii: Part II, y fue publicada el 12/12/12, una fecha elegida intencionalmente para fortalecer el aura tan misteriosa que rodea todo el proyecto. De hecho, ese día fue una de las fechas que se eligió como supuesto fin del mundo. 

Joe Hawley dice que la idea nació mucho antes, en su infancia: durante unas vacaciones familiares en Hawái en 1997, escuchó mentalmente la música que años después iba a ser el álbum, y supo que “tenía que hacerla en algún momento”.

Portada de " Hawaii: Parte II ', 12/12/12

Lo que más destaca del álbum es el tono tan onírico que tiene ya que, además de la estética, las canciones forman una historia, pero nunca se han dado explicaciones al respecto, lo que lo hace todavía más misterioso. Hay mucho simbolismo en el que se hace referencia al amor, la muerte, el destino e incluso la física, y canciones como Murders o Dream Sweet in Sea Major refuerzan esa sensación de estar dentro de un sueño a través de transiciones y mezclas de varios idiomas (francés, japonés, inglés, etc.). Escuchar este álbum dando un paseo por la noche en verano es mágico, si tenéis tiempo, os recomiendo hacerlo.

Como ya mencionó, apenas existen declaraciones oficiales que explican el significado real del álbum (esto se hizo intencionalmente), lo que hace que no haya una narrativa cerrada ni una interpretación definitiva. Buena parte de la historia de Hawaii: Part II ha sido construida por los propios fans, que han ido conectando pistas, símbolos y letras en foros y comunidades online para crear una teoría compartida sobre lo que ocurre en la discoteca.

En ese sentido, el proyecto se relaciona muy bien con una lógica constructivista, ya que el conocimiento no está centralizado, sino distribuido en una red de personas que interpretan, comparten y reconstruyen el significado colectivamente .

Personalmente, conecta mucho conmigo precisamente por ese tono onírico y tan surrealista. Lo conocí por una chica a la que sigo desde hace tiempo en redes sociales y, me impresionó mucho esa idea de vacío y de soledad tan presente en todo el álbum de esa forma tan mágica, especialmente porque siempre he sido muy solitario y ha habido momentos donde he tenido que luchar y salir adelante yo sola.  También me gusta mucho esa sensación de no tener todas las respuestas y de poder darle un significado u otro a las canciones según el momento en el que esté o la situación que me esté tocando vivir. No es "música pasiva" sino música que te invita a interpretarla ya rellenar los vacíos con tus propias ideas, quizás por eso es tan especial: porque no explica, sugiere. Y aunque transmite aislamiento, al mismo tiempo genera una comunidad de personas que intentan comprenderlo juntas, osea, genera una soledad compartida.

4. Amy Winehouse

Desde pequeña estuvo rodeada de música, lo que explica en parte su inclinación hacia el soul y el jazz clásico. 

Sesión de fotos para su álbum debut " Frank ", 09/2003 

Estudió en varias escuelas de artes escénicas y pasó por la Sylvia Young Theatre School, una institución prestigiosa de Londres, de la que fue expulsada, entre otras cosas, por llevarse un piercing en la nariz que rompía las normas del centro. Ese detalle, aunque pueda parecer pequeño, refleja su historia: siempre tuvo una personalidad que no encajaba en estructuras rígidas.

Después de asistir a la BRIT School, el mismo centro por el que también pasaron artistas como Adele, RAYE u Olivia Dean, artistas que han marcado (o están marcando) una generación, al igual que ella. 

Cuando sus adicciones empeoraron, la discográfica con la que trabajabaaba en aquel momento le sugirió que fuese a rehabilitación y, ella como respuesta, dejó la discográfica y sacó un nuevo álbum, Back to Black, donde una de las canciones ("Rehab") contaba precisamente la historia. Amy tenía formación, referentes y técnica, pero también tenía una personalidad que chocaba con las discográficas y con las escuelas de música.

También me impacta mucho el abandono que sufrió por parte de la sociedad; su entorno y sus fans veían claramente a una mujer que estaba sufriendo y que no se podía mantener en pie, y nadie hizo nada. El ejemplo más duro de esto fue su última actuación, donde apareció desorientada y sin poder cantar ni seguir el ritmo de la banda. Parte del público reaccionó con abucheos y la actuación se terminó antes de lo previsto, cosa que hizo que se cancelara el resto de fechas de la gira.

Un mes más tarde, el 23 de julio de 2011, Amy falleció en Londres por intoxicación etílica, con 27 años.

Esto resuena un poco conmigo ya que, en mi etapa de la ESO seguía buscando mi identidad y tuve que lidiar con problemas mentales. Siento que parte de mi entorno e instituciones que deberían haber estado ahí para ayudarme y me abandonaron un poco. Muchas veces se me vio como un "caso perdido" y se me dejó de prestar ayuda, lo que creo que resuena muy bien con la historia de Amy también.

Desde una perspectiva conectivista, Amy no es solo la que canta Back to Black, es también la historia construida por los medios sobre su adicción, la comparación con otros artistas formados en las mismas escuelas y el mito que surgió a partir de su muerte. Su significado no está en lo que ella ha enseñado o dicho en sí, sino en las interpretaciones que se han ido generando alrededor de ella.

Por eso, cuando la escucha, escucha también todas esas historias y contradicciones que construyen su identidad como artista.

5. Los Beatles

Sesión fotográfica en los Riverside Studios, 25/11/1964

Uno de los grupos que más me ha inspirado son The Beatles. Mi conexión con ellos comenzó de forma inesperada: la primera canción que escuché y que de verdad me impactó fue Strawberry Fields Forever, gracias a un cover que hizo, precisamente, Melanie Martinez. En el momento en que la escuché, me abrió un mundo; me hizo descubrir uno de mis estilos favoritos y otras formas de entender la música y la vida en general (de hecho, en la pierna derecha tengo tatuadas unas fresas por esta canción). La forma tan experimental de usar esa mezcla de instrumentos (sitar, timbales, armónica, violonchelo y hasta un mellotron, entre otros) y la letra tan rara y sin significado aparente, supuso un cambio enorme para mí y, obviamente me hizo tener curiosidad por el grupo y buscar significados y otras canciones.

Dentro del grupo, quien más me ha influido es Paul McCartney. Lo que me conecta con él es

su capacidad para pasar por etapas distintas y reinventarse constantemente. Cuando los Beatles se separaron, Paul siguió experimentando en solitario a pesar de las críticas por "no estar al nivel" del grupo, y después con Wings, cambiando incluso los integrantes de la banda según el proyecto. Esa forma de evolucionar refleja algo con lo que yo me siento muy identificado, ya que yo también he pasado por muchísimas etapas que me han hecho crecer y cambiar (y las que me quedan), pero nunca he perdido mi esencia. Además, tiene curiosidades que me encantan: la melodía de Yesterday se le apareció en un sueño, y al despertarse corrió al piano para tocarla antes de se le olvidase, convencido de que quizás ya la había escuchado en otro sitio porque le parecía demasiado perfecto para ser suya.

Sesión de grabación de " The Magical Mystery Tour" , 09/1967

Desde el punto de vista del conectivismo, los Beatles también son un ejemplo increíble. Su música se construye como una red de conexiones entre influencias, ideas y experiencias. Por ejemplo, en álbumes como Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band llevó el rock a un nivel experimental: mezclaron un montón de instrumentos distintos, sonidos de estudio raros e incluso crearon una película ("The Magical Mystery Tour") que ampliaba la historia de sus canciones. Cada canción es, por así decirlo, un nodo de esa red, ya que conecta influencias externas, decisiones creativas del grupo y contextos culturales. Para mí, eso refleja perfectamente esta teoría: aprender no es lineal, sino un proceso de conexiones que se van transformando constantemente, igual que su música lo fue haciendo.

6. Ella Fitzgerald

Una de los artistas que más me ha inspirado es Ella Fitzgeralds.  Pese a que ya había escuchado versiones y canciones suyas (Como "Cheek to Cheek"), empecé a indagar en su arte en primero de Bachillerato gracias a una compi de clase a la que le encanta el Jazz, y fue como mi primera toma de contacto con el jazz.  Hasta ese momento había oído solo algunas canciones aisladas de jazs, pero cuando me paré realmente a escuchar su voz me quedé impresionada, tenía un timbre muy dulce y parecía que juagaba con las notas.

Lo que más me impacta de Ella es su capacidad para improvisar con tanta naturalidad.  En el jazz hay una técnica llamada scat,  que consiste en cantar sin palabras, usando sonidos en lugar de letras (como si la voz se convierte en un instrumento más). Pero para hacerlo bien hay que tener un buen dominio del ritmo, una escucha constante de la armonía y una buena conexión con los otros músicos. Ella no solo dominaba esa técnica, sino que la hacía sonar como si no hubiera reglas, de forma muy libre, como si fuese natural: ese contraste entre control (porque técnicamente tiene que estar muy bien) y espontaneidad (porque no hay una guía escrita).

En segundo de Bachillerato estuve trabajando con una canción suya que estaba en el grado más alto de la escuela de música a la que iba y, aunque no me llegó a examinar, fue un reto enorme y, desde ahí, cojo muchas canciones suyas como retos aunque todavía no me salga genial.

Un dato curioso que me inspira mucho es que, durante su adolescencia, trabajó como

limpiadora para pagarse las clases de canto y  venía de una infancia complicada en hogares de acogida. Eso refleja algo que también me conecta conmigo: la importancia de buscar espacios para practicar, entrenar y aprender, aunque las circunstancias no sean perfectas o no te lo pongan fácil. Además, Ella fue pionera en muchos ámbitos: fue una de las primeras artistas afroamericanas en actuar en grandes teatros que antes estaban cerrados a músicos negros y, con su voz se convirtió en un referente para artistas de generaciones posteriores.

Desde la perspectiva del conectivismo, Ella Fitzgerald es un ejemplo muy claro de cómo el aprendizaje y la creatividad no surgen de una red de conexiones musicales.  su dominio

Sesión de grabación del álbum " Ella and Louis ", 16/09/1956 

vocal no solo viene de su propia práctica, sino de cómo escuchaba a los demás, cómo respondía a los cambios del grupo, cómo reaccionaba al ritmo y la armonía en cada momento. Por ejemplo, en un momento donde haga el scat ella no “solo canta”: está escuchando todo el rato, anticipando los acordes, conectando con el instrumento de cada músico.
Esa forma de aprender va más allá de memorizar, ya que es escuchar, conectar, responder y transformar.  Al igual que ella improvisa con una naturalidad impresionante, yo siento que aprender y crecer también es conectar ideas, experiencias y emociones para construir algo propio y en constante cambio.

7. Laufey

La conocí escuchando versiones de jazz clásico reinterpretadas por ella (como Misty), y fue como redescubrir el jazz ya que, al combinarlo con pop, lo he podido vivir de una forma más cercana y humana. También es como un puente para cantar las versiones clásicas.

Concierto en el Rough Trade East, 20/11/2023

Algo que siempre me ha llamado la atención de Laufey es lo importante que es para ella la música como forma de narrar historias personales. Su hermana, Júnía, es violinista, y ha colaborado con ella musicalmente y expresó la inspiración que ha sido para ella, la sensibilidad que las dos comparten y lo importantes e inspiradores que han sido los recuerdos que han vivido las dos. Laufey incluso ha publicado hace poco un cuento titulado "Mei Mei the Bunny", protagonizado por un conejo violinista, que en varias entrevistas ha dicho que le ayudó a entender y expresar el papel de la música en su vida de forma simbólica y emocional. Ese dato me gusta muchísimo porque una de las dos cosas que también son importantes para mí: la música como entretenimiento y la música como una forma de construir identidad.

Desde lo musical, otra cosa que me inspira de ella es su capacidad para fusionar jazz clásico con pop. Sus canciones tienen como influencia a artistas como Chet Baker, a quien menciona en una canción titulada "Just like Chet". 

" Mei Mei la conejita", 30/04/2024

Otra cosa que me encanta de ella es su nostalgia. Tiene una canción que se llama "Carta a mi
yo de 13 años" en la que, precisamente, habla a su yo de 13 años aconsejándole y tranquilizándole. Narra problemas o conflictos con los que tenía que lidiar en su día a día y, para mí, es una forma muy bonita de reconciliarse con esa etapa tan dura. Me identifico mucho con ella tanto por las correspondencia entre lo que cuenta y mi propia experiencia como por la idea de que yo también he sanado cantando. También me parece preciosa la idea de que haya tanta gente que se identifique con ese tipo de canciones y que la sensación sea la misma; es como ai hubiera un corazón o una historia compartida por todos.

Si lo pienso desde el conectivismo, lo que hace Laufey es tejer una red de entre experiencias, sonidos, historias y emociones. Su música no surge de una única influencia ni de un momento
aislado, sino de la mezcla del entre tradición, familia, creatividad, experiencias personales y
reinterpretaciones constantes de quien la escucha. Cada vez que escucho una canción suya, me lleva a otras, a los estándares del jazz, a mis propias historias, las historias y al vínculo con su hermana, y eso amplía mi aprendizaje musical más allá de lo que podría aprender solo estudiando una técnica o un estilo. 

Para mí, Laufey no es solo una voz que me gusta, sino un ejemplo real de cómo la música puede conectar sentidos, historias y técnicas en una red que continúa creciendo cada vez que alguien la escucha y la interpreta desde su propia experiencia.

Sin más, esta ha sido la entrada de hoy, menciones honoríficas a: Mitski, Queen, Mercedes Sosa, Amaia, AURORA, Fleetwood Mac, Mon Laferte, Ichiko Aoba y Pink Floyd. Espero que, como mínimo, os hayais entretenido leyendo todas las penurias.